SLEEPING WITH SIRENS

La Rayonne (Villeurbanne) - 19h -

SLEEPING WITH SIRENS + ARMS LENGHT + LIKE ROSES

Jeudi 18 février 2027
La Rayonne (Villeurbanne)
  Billetterie ouverte !

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Avant les disques d’or et de platine, les salles combles et ce renouveau culturel qui a attiré une nouvelle génération de fans inconditionnels grâce à TikTok et aux tournées dans les grandes salles, Sleeping With Sirens était un pari audacieux fondé sur l’intuition et une voix unique, impossible à confondre.

Kellin Quinn n’est pas entré sur la scène post-hardcore en ressemblant au chanteur typique. Sa voix puissante, passionnée, pressante et unique a transpercé le bruit qui les entourait, au sens propre comme au figuré. Le groupe a touché ceux qui se sentaient eux aussi en décalage ; des auditeurs cherchant du réconfort dans des chansons qui faisaient écho à leurs insécurités, leurs ressentiments, leurs angoisses, leurs tensions et leurs peurs les plus profondes. SWS faisait office de remède.

Dès leurs débuts, Sleeping With Sirens a conçu ses hymnes comme des refuges contre les tempêtes du monde. Des refrains puissants ont servi de bouées de sauvetage. Les passages plus calmes ont agi comme des baumes, apaisant les blessures de l’aliénation et de la colère.

Le nouvel album, An Ending in Itself, à la fois plein d’énergie et d’une grande diversité stylistique, prouve que le lien entre le groupe et son public passionné reste sa force principale. Produit par Will Yip (Turnstile, Circa Survive, Movements), l’album représente à la fois un retour aux sources et un règlement de comptes.

Le bassiste Justin Hills, le guitariste Nick Martin, le batteur Matty Best et Quinn sont rejoints par le guitariste Tony Pizzuti, membre de la tournée depuis 2022 et désormais officiellement intégré au groupe. Leur huitième album porte en lui l’esprit insatiable du SWS classique, enrichi par l’expérience nuancée de ces dernières années.

Il s’agit du premier album du groupe chez Rise Records depuis *Feel*, qui avait fait son entrée à la troisième place du Billboard 200. Rise Records a également sorti *With Ears to See and Eyes to Hear* (2010) et *Let’s Cheers to This* (2011), certifié disque d’or, dont est issu le titre « If You Can’t Hang », certifié disque de platine.

Kellin décrit An Ending in Itself à la fois comme un aboutissement et une continuation, achevant l’arc émotionnel et thématique récent de How It Feels to Be Lost et Complete Collapse tout en renouant avec l’esprit qui a initialement propulsé le groupe vers l’avant. « On dirait le dernier chapitre des deux derniers albums », dit-il. « Mais il y a aussi beaucoup de notre deuxième album, Let’s Cheers to This, là-dedans. Cette énergie où on n’essayait pas de s’intégrer quelque part et où on a juste fait l’album qu’on voulait faire. »

Dans les années 2010, les foules du Warped Tour se sont transformées en immenses rassemblements culturels, tandis que des magazines papier comme Alternative Press et Kerrang! mettaient en avant une nouvelle vague d’artistes mêlant l’urgence punk, l’ambition mélodique et une vulnérabilité assumée. Le groupe est rapidement devenu l’une des voix les plus reconnaissables de ce mouvement. Pourtant, leur succès culte n’a jamais reposé uniquement sur leur appartenance à une scène particulière.

Même au tout début de son ascension, Sleeping With Sirens a su toucher son public parce que ses chansons abordaient des sentiments authentiques. Le groupe chantait les familles brisées, le doute de soi, la solitude et le désir lancinant de se sentir compris. Les paroles de Quinn se lisent souvent comme des lettres ouvertes adressées à des auditeurs confrontés à des difficultés similaires.

Les fans ne se contentent pas d’écouter Sleeping With Sirens. Ces chansons font partie intégrante de leur être.

Ils ont toujours abordé l’écriture de chansons davantage comme une confession que comme une simple prestation. « Les gens viennent à nos concerts avec des problèmes bien réels dans leur vie. Nous avons toujours été honnêtes au sujet de nos propres difficultés aussi », explique Kellin. Cette intimité a permis à Sleeping With Sirens de grandir aux côtés de son public.

À une époque où de nombreux observateurs pensaient que la vague des groupes post-hardcore et alternatifs des années 2010 avait déjà atteint son apogée, Sleeping With Sirens est plus pertinent que jamais. Les nouvelles générations les ont découverts grâce au streaming, aux réseaux sociaux et au regain d’intérêt pour le vinyle. Les hymnes qui ont autrefois défini le Warped Tour pendant de nombreux étés sont soudainement apparus dans des millions de nouveaux flux et de nouvelles playlists.

Dans le même temps, les fans de longue date sont restés farouchement fidèles. Des tournées régulières ont révélé un public qui s’est agrandi, plutôt que de s’être effacé. Les salles combles accueillaient des adolescents découvrant le groupe aux côtés d’auditeurs qui avaient passé plus d’une décennie à écouter leur musique.

Pour Quinn, cette longévité est source à la fois de gratitude et de responsabilité.

« Nous avons beaucoup de chance d’être encore là », dit-il. « Beaucoup de groupes auraient pu disparaître — peut-être même le nôtre à certains moments. Mais nous continuons parce que nous voulons créer une musique qui compte et nous améliorer sans cesse. Nous sommes convaincus que chaque nouvel album nous permet d’apporter encore plus. »

An Ending in Itself se présente comme une réflexion sur les épreuves, la résilience et la quête de sens en ces temps incertains. Au cours des dernières années, Quinn et sa famille ont dû faire face à de graves problèmes de santé et à des difficultés profondément personnelles, des expériences qui ont inévitablement trouvé leur place dans les chansons.

« Une grande partie de cet album parle de ne pas perdre espoir et de trouver la foi au milieu des épreuves. »

Ces idées constituent le cœur thématique de l’album, à commencer par le morceau éponyme qui l’ouvre. « Tout le monde essaie de montrer sa vie sous son meilleur jour sur les réseaux sociaux, mais en réalité, beaucoup de gens traversent des moments difficiles. L’idée derrière cette chanson, c’est simplement de dire qu’il n’y a pas de mal à admettre qu’on souffre. »

Ailleurs, l’album explore différentes nuances de cette vulnérabilité.

« God in My Head » aborde des questions de foi, cherchant du réconfort dans la conviction que quelqu’un – ou quelque chose – pourrait être à l’écoute lorsque la vie semble insurmontable. « Forever Always » s’inspire de la collaboration créative continue entre Quinn et Matt Good de From First To Last, mêlant des textures post-hardcore classiques à l’instinct mélodique du groupe. « House of Matches », écrite avec Jon Lundin de Point North, élargit la palette sonore du groupe tout en restant indéniablement dans l’esprit de Sleeping With Sirens.

These ideas form the thematic core of the album, starting with the title track that opens it. “Everyone tries to show their life in the best light on social media, but in reality, a lot of people are going through tough times. The idea behind this song is simply to say that there’s no shame in admitting that you’re hurting. ”

Elsewhere, the album explores different shades of this vulnerability.

“God in My Head” tackles questions of faith, seeking solace in the belief that someone—or something—might be listening when life feels overwhelming. “Forever Always” draws inspiration from the ongoing creative collaboration between Quinn and Matt Good of From First To Last, blending classic post-hardcore textures with the band’s melodic instinct. “House of Matches,” written with Jon Lundin of Point North, expands the band’s sonic palette while remaining unmistakably in the spirit of Sleeping With Sirens.

Le monde qui les entoure a peut-être changé. Mais l’élan qui a donné naissance à Sleeping With Sirens reste le même. Les cinq membres du groupe restent attachés à la collaboration et à l’esprit communautaire. « J’aime être avec des gens qui partagent les mêmes idées et qui s’enrichissent mutuellement », explique Kellin. « Il y a de la magie là-dedans. »

Cette magie a permis à Sleeping With Sirens de traverser plus d’une décennie de tendances musicales changeantes et un milieu qui peut être brutal et impitoyable. Le groupe perdure pour la même raison qui l’a vu naître.

Parce que cette musique compte.

Un concert présenté par La SAS en accord avec Live Nation.

7 Rue Henri Legay, 69100 Villeurbanne

ARMS LENGHT + LIKE ROSES

ARMS LENGHT

Sur *There’s A Whole World Out There*, le deuxième album du quatuor canadien Arm’s Length, figure une chanson intitulée

« Palinopsia »

. Dérivée du grec « palin » (à nouveau) et « opsia » (voir), elle désigne un phénomène visuel marqué par
l’image persistante de quelque chose qui n’est plus là. Le chanteur et parolier Allen Steinberg a écrit cette chanson à propos de

« une dévotion ou un amour pur envers quelqu’un qui ne fait peut-être plus partie de votre vie »
, mais elle s’applique également à l’album dans son
ensemble. Car tout au long des 12 chansons de cet album, Steinberg se confronte à la part de la vie qui a été et qui est révolue. Pourtant,

on perçoit une différence notable entre l’auteur de cet album et celui qui a écrit le premier album d’Arm’s Length, *Never Before Seen, Never Again Found*, sorti en 2022.

« Cet album reflète davantage ma vie actuelle que mon passé »,

explique-t-il,

« même s’il y a encore une bonne dose de
passé. Mais c’est ma façon de gérer les choses maintenant, plutôt que d’y être plongé – j’ai davantage le sentiment d’être de l’autre côté, de le voir avec le recul. Le ton a un peu changé. Je suis probablement un peu plus mûr, car mon lobe frontal
se développe en ce moment même. »

Produit par Anton DeLost – qui a travaillé avec le groupe sur Never Before Seen, Never Again Found et l’EP de 2021, Everything Nice – There’s A Whole World Out There élargit effectivement les horizons d’Arm’s Length, en accord avec le développement du lobe frontal de Steinberg, le présentant comme plus introspectif et contemplatif qu’auparavant. Il a écrit
les parties pour tous les instruments, ainsi que la grande majorité des paroles, seul dans sa chambre, puis a apporté ces premières
ébauches, enregistrées sous forme de mémos vocaux, au batteur Jeff Whyte, qui a ajouté des percussions aux ébauches de chansons de Steinberg. Bien que la
majorité du processus créatif soit restée entre les mains de Steinberg, ce n’est que lorsque ces chansons ont été enregistrées par le groupe au complet, avec
Jeremy Whyte, qui jouait de la basse sur l’album, et Ben Greenblatt, que leur plein potentiel s’est révélé. Le résultat est que les
émotions qui animent ces chansons explosent et s’épanouissent avec force, s’appuyant sur les bases incroyables posées par les précédents
enregistrements du groupe.

En effet, Arm’s Length ne fait pas dans la dentelle. Dès les premières notes de « The World », There’s A Whole World Out
se déploie avec la double souffrance et l’exaltation de ce que signifie être vivant — mais aussi avec la conscience et la compréhension
que tout est aussi, toujours, perdu. « Fatal Flaw » accentue la nostalgie mélancolique qui imprègne cet album, tout en
abordant la question de ce que signifie être un artiste qui utilise la douleur pour créer. Quant à l’émouvante « Genetic Lottery », elle est une critique ironique
de cette nostalgie que Steinberg ressent depuis sa jeunesse. Ailleurs,

« The Wound » et « You Ominously End » révèlent le
chanteur contrebalançant ses confessions par un humour noir savoureux. Bien que la majeure partie de l’album soit conçue pour être écoutée
fort, on y trouve aussi des moments de subtilité et de tendresse. Ces deux titres offrent un aperçu de la résilience qui a permis à Steinberg de traverser
ces années difficiles, lui permettant aujourd’hui de les évoquer, sinon avec le sourire, du moins avec un sentiment palpable de
soulagement. « Tout est une question de recul »,

dit-il,

« et de pouvoir revenir sur les traumatismes dont j’ai parlé dans le précédent
album et qui ont marqué ma vie. Ils sont toujours présents sur celui-ci, mais l’atmosphère est différente, la façon dont j’en parle a évolué. Il s’agit d’accepter que le mal soit fait, et d’aller de l’avant. »

 

LIKE ROSES

Le groupe Like Roses, originaire de Berkeley en Californie, est une véritable force de la nature. Leurs textes introspectifs, empreints de confessions, évoquent le chagrin d’amour, la perte et l’introspection. Portés par des mélodies énergiques et un chant puissant et mélodieux, ils ont su fidéliser un public nombreux et partir en tournée en Amérique du Nord avec des groupes comme Pierce the Veil, Neck Deep et Mayday Parade. Désormais signés chez Hopeless Records, les Like Roses sont de retour en studio pour écrire la suite de leur histoire.